Soundtrack to Sixteen, ternura en grado máximo.

Soundtrack to Sixteen es una película naturalista sencilla, muy tierna y sincera.

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Un retrato sobre la adolescencia narrado desde una posición privilegiada: Sus directoras, las hermanas Shakespeare,  son tan jóvenes que tienen totalmente frescos en la memoria importantes detalles de esta época. Esta película es prácticamente un retrato de la adolescencia desde dentro.

Personalmente me ha transportado con mucha intensidad a situaciones de la adolescencia que sorprendentemente ya había olvidado por completo pero que por lo que veo son universales. Por ejemplo, la escena de la cuenta atrás antes del examen de uno de los protagonistas y todas las soluciones desesperadas que se le ocurren. El clásico momento a 5 de la mañana cuando se da cuenta de no tiene ni idea y va a suspender y que además está hecho trizas por no haber dormido nada y haberse quedado estudiando.

Otros momentos estelares terribles que recupera la película son los degradantes intentos  de la protagonista por introducirse en el grupo de las tipas populares como única salida de supervivencia en el universo social adolescente.

Son especialmente bonitas  las escenas de juego con las hermanas menores. Produce mucha ternura ver  que la protagonista conserva aún  la habilidad de entrar en el mundo de la fantasía y beber sopa mágica invisible con sus hermanas.

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Resumiendo: las directoras logran un retrato sincero y un valioso testimonio de esta época que la mayoría de los humanos hemos preferido borrar de nuestro expediente. Logran que nos reconciliemos con una época horripilante y cruel de nuestras vidas y nos enseña un valor con el que todos deberíamos haber iniciado nuestra entrada en la edad adulta: la flexibilidad con nosotras mismas. Aceptar lo que somos, nuestras carencias y  las de los demás.

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Soundtrack to Sixteen ya se puede ver en ITUNES.

MAPS TO THE STARS. Fuego, incesto y esquizofrenia

Mapa de las Estrellas es una despiadada radiografía del Hollywood mas tóxico y miserable. Aunque como el propio Cronenberg ha señalado: Podría ir sobre cualquier sitio en el que la mentira sea la realidad y la gente esté desesperada y enloquecida de ambición.

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Leviatán, cuando el monstruo es el Estado

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En una aldea en el norte de Rusia, viven Lilya, una joven que trabaja en una conservera de pescado, su esposo Nikolai, mecánico de coches y Romka, el hijo adolescente de éste. El matrimonio lucha porque el alcalde de la localidad no expropie su vivienda. La casa la ha construido Nikolai con sus propias manos y está en un lugar privilegiado con vistas al mar, en un terreno que ha pertenecido a su familia durante generaciones. El alcalde, haciendo uso de su influencia con la policía y los tribunales locales, obtiene una orden de desalojo con el fin de tumbar la casa y construirse una mansión de lujo en su lugar. Sigue leyendo

Boyhood, lo sencillo es eterno

Boyhood está directamente emparentada con La vida de Adele y El árbol de la vida. Es un cine que indaga en nuestra existencia a base de rodar y rodar. Tirar metraje hasta alcanzar lo elemental, lo sencillo, lo que más nos comunica.

Una de las razones por las que nos fascina tanto el cine es precisamente por su capacidad de tratar el tiempo, de hacer poesía con él, de trabajarlo y de utilizarlo para arrojar luz sobre nuestra propia experiencia de la vida.

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El Diputado

La película narra en flashback los años de activismo de Roberto (Jose Sacristán), un diputado de un partido de izquierdas que trabaja por aunar a socialistas y comunistas. Recorremos su vida desde su toma de conciencia política en la universidad a los tiempos revueltos de la transición. Describiendo a tiempo real el momento histórico en el que la película fue rodada. El Franquismo daba sus últimos coletazos y los denominados grupos incontrolados de ultra derecha ejercían la violencia con impunidad.
Roberto además de activista es homosexual y ve con frustración como, pese a la conquista de numerosas libertades, la homosexualidad sigue quedando en el ámbito de la clandestinidad y por lo tanto condenada a la marginación.
Los fascistas colocan a Juanito, un joven chapero marginal, de anzuelo para deslegitimar a Roberto. Roberto se enamora perdidamente del joven.

A lo largo de la película el protagonista trata de vivir de manera consecuente su sexualidad mostrando una sinceridad que nos dejará perplejos. Especialmente con Carmen (María Luisa San Jose), camarada del partido con la que está casado y a la que ama.

El gran tema de la película es la necesidad de la VERDAD. Según recita el propio Roberto en los versos de Luis Cernuda: “Más que verdad de amor, verdad de vida”

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La honestidad y la valentía de llegar hasta el fondo resulta aún más admirable en el papel de Carmen. Harta de ser la verdadera marginada de la historia, decide conocer a Juanito con el fin de poder eliminar cualquier barrera que le separe de Roberto. Los tres empiezan a salir juntos y gracias a calidad humana de Carmen y su esfuerzo por vivir honestamente la situación con todas sus consecuencias, Juanito tiene acceso por primera vez al mundo de la cultura y del arte, también se reencuentra con otros chavales de su barrio, currantes, metidos en el movimiento obrero. Vemos como Juanito va descubriendo un mundo nuevo que le atrae y que le ilusiona. La relación entre Carmen, Juanito y Roberto se va configurando libremente y al margen de las convenciones.

Desde los títulos de crédito y a lo largo de toda la película la libertad política y la libertad sexual se identifican. Eloy de la Iglesia trata el cuerpo, la sexualidad y las ideas políticas con la misma seriedad, estableciendo entre las dos una asociación muy valiente, honesta y arriesgada. Por ejemplo, en la cárcel de Carabanchel un joven chapero le cuenta en los urinarios como fue testigo del trágico fusilamiento de los presos políticos en la noche del el 27 de septiembre de 1975. Roberto le escucha y le mira fijamente la polla mientras mea. El chapero se da cuenta y afirma con naturalidad: “¿qué pasa? es que yo me empalmo enseguida”. Esta convivencia natural de lo erótico y lo político se repite a lo largo de toda la película. Más adelante, en una escena de sexo en la cárcel, hay un llamativo fundido al rojo que corta a una reunión del partido. Se emplea el color rojo como símbolo de doble sentido para unir estos dos conceptos.

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“El diputado” trata además la relación de explotación entre ricos y pobres dentro del ámbito de la homosexualidad. El propio protagonista a pesar de su conciencia política y social hace uso del cuerpo de chavales más jóvenes de condición social baja a cambio de dinero. Algo que en teoría va en contra de su propia ideología pero que al tener lugar en clandestinidad parece no estar sujeto a las mismas leyes mercantiles. La película se esforzará por arrojar luz sobre esta manera de explotación.

Hay mucho de Passolini en Eloy de la Iglesia. Su sensibilidad y su compromiso social son muy similares. Ambos pertenecieron al Partido Comunista y ambos trabajaron con “chavales del arroyo” como diría el propio Passolini. Además encuentro relación con el cine periodístico y comprometido de Francesco Rosi, también Comunista y buscador infatigable de la verdad. Eloy, a su vez, influye sobre la obra de Almodóvar pero carece de ese tono frívolo de humor mas fácilmente asimilable que, a mi entender, ha facilitado el éxito del segundo entre el gran publico.

En mi opinión, Eloy de la Iglesia no ha sido aún lo suficientemente valorado. Quizá porque su cine sea demasiado sincero y crudo. Mas allá de esas apreciaciones el valor histórico y la inmediatez de su trabajo le dan a su filmografía una importancia monumental.

Publicada originalmente en Cronicas de Valhalla

“Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?” – Eso digo yo

Un matrimonio ultra conservador francés, ve horrorizado como tres de sus cuatro hijas se casan con un árabe, un judío y un chino, respectivamente. Aunque los tres hombres pertenecen a una clase medianamente acomodada y son conservadores, los padres ven con malos ojos que sus nueros sean de otra raza y religión. El matrimonio deposita en la hija pequeña, aún soltera, todas sus esperanzas de tener un nuero “normal” blanco y cristiano. 

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Perdida, “mala malísima”

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La película no logra llevar a cabo el desafío narrativo que planteaba la novela de explicar una historia construida sobre los testimonios de narradores no fiables. La adaptación resulta simplemente manipuladora y tramposa. Voy a destripar la peli, si no la has visto aún, igual prefieres no seguir leyendo.

Uno de sus principales fallos es que a pesar del protagonismo indiscutible de Amy (Rosamund Pike). Fincher decide adoptar el punto de vista del marido, Nick (Ben Affleck). Amy, es despojada de sus motivaciones y nos es mostrada como una simple majara que ha decidido arruinar la vida de los pobres incautos que caen en sus garras: vuelve la femme fatale, la mala malisima de toda la vida de Dios.

El best seller planteaba un montón de asuntos complejos e interesantes. De hecho aún quedan vestigios en el guión adaptado por la autora, Gillian Flynn. Pero el pobre Fincher parece no haberlo pillado.

La película trabaja el tema del desdoblamiento: Amy tiene un alter ego de ficción construido por sus padres, Amazing Amy. Nick, a su vez, tiene una hermana gemela, incluso los padres de Amy parecen versiones el uno del otro.

También aborda algunos asuntos relativos a la guerra de poder dentro de la pareja: la construcción del otro durante el enamoramiento, el poder de destrucción de las relaciones de pareja, el afán por controlar al otro, por dominarlo, por modificarlo.

Nick: Sí, te amé, y luego todo lo que hicimos fue resentirnos el uno del otro, tratamos de controlarnos mutuamente. Nos hicimos mucho daño entre nosotros.

Amy: ¡Eso es el matrimonio!

Pero sobre todo, está la cuestión de la tensión existente entre el rol que se espera de las mujeres y lo que verdaderamente somos. Según expone Amy brillantemente:

Ser una tía guay significa que soy una mujer sexy, inteligente y divertida a la que le encanta el fútbol, el póker, los chistes guarros y que eructa, que juega a los videojuegos, bebe cerveza barata, le gustan los tríos y el sexo anal y se atiborra de perritos calientes y hamburguesas como si estuviese protagonizando la mayor orgía culinaria del mundo. Mientras, de alguna forma, consigue mantener una talla XS, porque las tías guays son por encima de todo sexis. Están buenas y son comprensivas. Las tías guays nunca se enfadan; solo sonríen con desazón, de una forma encantadora y dejan a sus hombres hacer lo que les dé la gana […].

Los hombres creen que esta chica existe. Quizá estén engañados porque hay muchas mujeres que están dispuestas a fingir que son esa chica. Durante mucho tiempo, las ‘tías guays’ me han irritado. Veía a los hombres –amigos, compañeros, extraños– atontados por estas horribles mujeres falsas y quería sentarlos y decirles calmadamente: ‘No estas saliendo con una mujer, estas saliendo con una mujer que ha visto demasiadas películas escritas por hombres socialmente ineptos a los que les gusta pensar que este tipo de mujer existe y que les besará’.

Esperé pacientemente – años – a que el péndulo oscilara hacia otro lado, que los hombres comienzan a leer a Jane Austen, aprendieran a tejer, amaran el cosmos, organizaran fiestas con guirnaldas bonitas y se besaran entre ellos mientras nosotras miramos… entonces sí . Diría: ese es un tio guay.

El director, ajeno al potencial brutal del guión, se afana por hacer sangre del manido tema de la manipulación que ejercen los medios de comunicación sobre el público cuando imponen información falsa forzando conclusiones precipitadas para mantener audiencia. Muy bien Fincher pero aplicate el cuento, tío.

Publicada originalmente en Cronicas de Valhalla